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Les Grammys

Jun 11, 2023

Photo: Vincent Haycock

entretien

La hitmaker pop revient sur les singles et les coupes profondes qui ont engendré certains des souvenirs les plus drôles ainsi que la croissance personnelle – et comment tout cela a conduit à son cinquième album studio, "Gag Order".

En écoutant le nouvel album de Kesha, Gag Order, une chose est abondamment et immédiatement claire : ce n'est pas la même fille que le monde a rencontrée en 2009.

Bien que Gag Order soit moins optimiste que les albums précédents de Kesha, c'est le plus introspectif et le plus vulnérable qu'elle ait été en tant qu'auteur-compositeur. Mais tout a un sens; c'est une fille qui a traversé des traumatismes très publics et des problèmes de santé, qui a finalement percé et trouvé l'espoir de l'autre côté. Même encore, elle n'a pas perdu de vue la fille qui s'est brossé les dents avec une bouteille de Jack.

"Il y a trois albums que je connais dans l'histoire de ma vie dans lesquels j'ai mis toutes les fibres de mon putain d'être - Animal, Rainbow et maintenant Gag Order", a déclaré Kesha à GRAMMY.com. "Je suis incroyablement fier de ce qu'est [Gag Order] et de qui je suis devenu tout au long du processus."

Elle se réfère à Gag Order comme un "exorcisme émotionnel", qui est une description indéniablement précise du récit sombre mais cathartique de l'album. On dirait que la délivrance que Kesha a accumulée depuis 2017 Arc-en-ciel, et la sœur aînée et plus sage du personnage excentrique de 2010 Animal. Et bien que Gag Order puisse avoir un son différent, Kesha est catégorique sur le fait que chaque étape de sa carrière a joué un rôle pour l'amener à ce point – même si cela a été une "montagne russe émotionnelle".

Pour célébrer la sortie de Gag Order, Kesha a regardé toute sa discographie et a sélectionné 10 chansons qui se sentent les plus importantes pour son histoire – qu'elles impliquaient des moments amusants, des faits saillants de sa carrière, un processus de création spécial ou un moment live préféré. Lisez les choix du chanteur ci-dessous et découvrez pourquoi des chansons comme "Blow", "Praying" et "Happy" sont cruciales pour le tissu de Kesha.

J'étais sur un long trajet en avion de Los Angeles à Londres. C'était la première fois que j'obtenais le surclassement en classe affaires, et je me souviens avoir pensé, Oh mon dieu, est-ce que ça veut dire que j'ai réussi ?

Juste derrière moi, il y avait ces deux enfants, et ils ont été tellement ennuyeux pendant tout le voyage - pendant environ 13 heures, en criant et en chantant. Et je me souviens m'être tourné vers la personne à côté de moi, qui était mon manager à l'époque, et je me suis dit : "Oh mon dieu, ces enfants sont tellement..." et puis ils ont commencé à chanter "Tik Tok", et j'étais genre : "...mignon".

J'ai juste commencé à rire. Et je me suis dit, Eh bien, j'écoute deux enfants de 5 ans chanter sur le fait de se brosser les dents avec une bouteille de Jack, alors je les aime maintenant.

Je suis passé d'un club à LA appelé l'Echo à environ 20 personnes, et "Tik Tok" est sorti, et mon prochain concert était Lollapalooza, et il y avait une mer de gens sur scène. Et j'étais vraiment confus. Je pensais qu'ils s'étaient peut-être présentés pour la mauvaise étape. Et puis quand j'ai commencé à jouer, tout le monde me chantait "Tik Tok", et c'était tellement excitant. C'était un autre moment où je me disais: "Oh, c'est sur le point de changer la trajectoire de ce à quoi ma vie va ressembler maintenant."

Et puis "The Simpsons" a refait l'intro de [the show], mais avec "Tik Tok" – et je pense qu'à ce moment-là, ils n'avaient jamais fait ça auparavant. Je ne sais pas s'ils l'ont refait. Mais je me souviens juste d'avoir dit: "Je pense que j'ai fait quelque chose qui touche l'air du temps d'une manière particulière que je n'avais pas négociée."

C'est une chanson tellement amusante, et je me souviens d'avoir fait la vidéo avec James Van Der Beek. Et c'était un souvenir tellement drôle, parce que dans l'idée originale de la vidéo, nous étions censés nous embrasser, mais à la place, nous avons tous les deux décidé que ce serait infiniment plus bizarre de manger du fromage.

C'était aléatoire, et c'est le gars le plus gentil du monde. Évidemment incroyablement talentueux, mais tellement gentil et tellement cool. Ce fut une expérience tellement merveilleuse de travailler avec lui parce qu'il était vraiment d'accord pour le rendre aussi étrange que nous le pensons. J'étais vraiment content de voir à quel point cette vidéo était bizarre.

Jouer cette chanson en direct est l'une de mes expériences préférées, car c'est [la partie de] mon émission en direct où je peux attaquer le monde avec des paillettes. J'ai toujours mon sac à dos à paillettes de confiance que j'ai depuis 2008. J'avais un sac à dos à paillettes sur mesure, qui était le fléau de l'existence des personnes avec qui je tournais car il explosait tout le temps. Tout le monde avait des paillettes partout au point de s'énerver. Ils étaient comme, "J'ai trouvé les putains de paillettes dans mon nombril!" et j'étais comme, "Je ne sais pas quoi te dire à ce sujet, je suis vraiment désolé."

J'étais tellement content de mon jeu de stylo sur celui-là. De plus, j'ai écrit ça avec ma mère, donc c'était vraiment drôle d'écrire ce genre de chanson sombre et dérangée avec ta mère sur le fait de manger des gens. Je viens d'elle, alors elle est aussi dérangée que moi. Ça résume notre relation.

Quand je le joue en direct, j'ai attaché mes danseurs à un S&M, comme, kink cross, et leur ai arraché le cœur, puis j'ai couvert mon visage avec du faux sang - comme, me livrer à la routine cannibale de manger un de mes danseurs. Mes moments préférés de chaque émission que j'ai jamais jouée sont l'assaut des paillettes et la routine de cannibalisme.

C'était vraiment cool de voir les gens sur TikTok se reconnecter avec cette chanson. J'ai l'impression qu'il y a eu cette résurgence majeure il y a un an ou deux, où tout le monde y faisait des mouvements. J'apprécie toujours l'amour "Cannibal".

J'entrais dans mon ancienne maison, et j'avais cette envie irrésistible de prendre la guitare. Je me suis assis sur mon lit et j'ai écrit cette chanson très rapidement, tout seul. Cette chanson était tellement spéciale pour moi. Je savais que je le voulais pour ouvrir l'album.

L'album Rainbow a été le moment où j'ai fait le pas vers la force et la puissance. J'aime quand ce revirement se produit dans le processus de création d'un album, parce qu'il y a généralement une réflexion sur soi, un peu de doute sur soi, un sentiment d'apitoiement sur moi-même, de la tristesse, puis le moment où je bascule dans le territoire de la merde, c'est quand les choses vont vraiment bien.

Je suis comme n'importe quel humain. Je n'aime pas lire des choses négatives sur moi-même. Mais à un moment donné, cela passe de me battre et de me haïr à cette défiance envers qui je suis. Et si tu ne m'aimes pas, alors va te faire foutre. Tous mes ennemis devraient savoir qu'ils alimentent certaines de mes meilleures chansons.

Jouer cette chanson en live, j'adore quand tous mes fans allument leur téléphone et chantent avec moi. Parce que cela ressemble à cet hymne d'existence et de fierté de qui vous êtes, et vraiment, non seulement de survivre, mais de célébrer qui vous êtes, et de ne pas laisser les opinions des autres prendre le dessus sur vous. J'aime vraiment y jouer, parce que c'est comme un océan de lumières, et on a l'impression de nager dans cet océan d'amour.

« Prier » est, de manière assez indescriptible, l'un des moments forts de ma carrière. C'était une chanson tellement provocante, et c'est la chanson la plus éloquente, la plus gracieuse et la plus belle que j'aie jamais entendue. Il y a tellement d'émotion, mais dans l'âme de cette chanson, c'est en moi que je sais exactement qui je suis et ce que je représente.

Je serai pour toujours et éternellement reconnaissant envers cette chanson. J'ai l'impression que c'était une interprétation cosmique de l'univers qui m'a été offerte, ainsi qu'aux co-auteurs de cette chanson. C'était juste la combinaison parfaite pour, dans mon esprit, la meilleure et la plus gracieuse chanson qui ait jamais existé. Et je ne suis pas comme un narcissique mégalomane, mais j'ai l'impression d'avoir une certaine distance avec ça, je le vois vraiment maintenant.

"Prier" a établi une nouvelle barre pour moi. "Praying" est devenu la chanson que j'essaie de battre à chaque fois que j'écris une chanson, parce que j'étais tellement impressionné par ce que moi et les autres auteurs avons fait.

Issu d'une famille de musiciens, c'est comme notre lignée. Et en tant qu'auteur-compositeur, je sens que je peux rendre mes ancêtres fiers de certains moments de ma carrière. Et "Praying" était définitivement l'un d'entre eux.

Cette chanson était tellement amusante. C'était une sorte de récupération de ma joie à une époque où je ne me sentais pas vraiment en droit d'avoir de la joie. J'avais l'impression que la joie n'était pas à moi, et c'était moi qui la volais sans permission.*

Je suis une bonne personne, avec un amour pour, genre, le côté mauvais et amusant de la vie. Je pense que je voulais célébrer cela au lieu de me faire honte, parce que j'ai l'impression que tout le monde a besoin d'un certain niveau de méchanceté pour vraiment profiter de la vie.

« Raising Hell » a été un moment pour moi, surtout la réalisation de la vidéo. C'était tellement cathartique, parce que j'ai pu célébrer la chanson, mais j'ai aussi pu faire cette incroyable vidéo narrative avec Luke Guilford, où je dois être le personnage que j'ai toujours rêvé d'être – un croisement entre, comme, un prédicateur évangélique, un meurtrier et un bandit.

Il y a eu une scène qui a été coupée quand je traîne mon a—— du cadavre d'un mari sur le sol. En fait, je traînais environ 100 livres dans cette bâche, et je me souviens d'avoir crié à tue-tête pendant trois minutes. Nous voulions l'inclure dans la vidéo, mais cela semblait tellement psychotique que tout le monde était comme, "Nous ne pouvons pas avoir trois minutes de toi en train de crier." Et je me suis dit : "Mais pourquoi pas ?" [Des rires]

Je me souviendrai de cette scène pour toujours, parce que c'était tellement cathartique de traîner un cadavre à travers la pièce en hurlant. Je ne sais pas de quoi il s'agissait, mais ce sera pour toujours l'un de mes moments préférés de ma carrière.

C'est une citation directe de ma mère. Elle a dit: "Ne mange jamais l'acide, tu ne veux pas être changé comme ça m'a changé." Elle m'a dit ça quand j'étais très jeune, et je n'ai encore jamais mangé d'acide. C'est l'ironie de tout l'album, car cela a été le catalyseur de mon nouvel album.

La nuit avant que j'écrive cette chanson, j'avais juste toute cette anxiété et je me sentais vraiment déstabilisé dans ce traumatisme collectif qui a eu lieu ces deux dernières années pour l'ensemble du monde. J'ai eu ce réveil spirituel, la mort de l'ego, la psycho-magie - c'est ce que j'appelle cette nuit-là. Et j'ai eu cette expérience visuelle complète et cette conversation avec ce que je considère maintenant comme la source d'énergie.

J'avais vraiment l'impression que c'était une dépression psychotique, mais ensuite j'ai parlé à ma thérapeute, et elle m'a dit : « Non, félicitations, c'est un réveil spirituel. Alors j'ai juste décidé, sur cet album, de m'y pencher, et d'aller vraiment dans ce qu'était cette expérience. Je voulais que la chanson et l'album sonnent comme je me sentais.

Je voulais vraiment terminer la chanson avec confiance et puissance. C'est ce voyage de démontage pour remonter et de briser l'illusion pour créer un nouveau départ - une renaissance. Et à la fin, le genre de déclaration finale que je fais est, Maintenant, tout ce sur quoi je vais me concentrer, je réalise maintenant, c'est d'être heureux. Toutes les validations externes, et ces choses que j'ai toujours pensé vouloir, ont un aspect différent de ce à quoi je m'attendais. Mon objectif, au lieu d'obtenir la gloire, des maisons de fortune, des voitures, des petits amis, l'amour en ligne ou quoi que ce soit de matériel, est davantage d'apprendre à m'aimer et à faire la paix avec mon passé et à ouvrir une page blanche pour mon avenir."

"Eat The Acid" est la première chanson que j'ai écrite pour l'album. C'était une sorte de moment indéniable où j'ai pensé, c'était vraiment différent, et je ne sais pas si quelqu'un va aimer ça. Mais c'est ce qu'est être un artiste, et si j'ai le grand plaisir d'être un artiste cette vie, ce serait un mauvais service pour moi-même, et pour quiconque passe du temps à écouter ma musique, de ne pas être complètement honnête avec où j'en suis. Parce que chaque album et chaque chanson est comme un petit chapitre dans le livre de qui je suis. Ce sera ce qui survivra longtemps après ma mort.

Ce fut le moment charnière de l'album pour trouver ma force. C'était l'une des premières chansons que j'ai écrites lors de ce petit mini camp d'écriture avec Justin Tranter dans sa maison de montagne. Il y avait huit écrivains assis dans son sous-sol. Nous sommes tous assis par terre, et je me souviens juste de leur avoir dit : "Je veux vraiment cet hymne fort, à propos de la façon dont j'ai enduré tant de haine dans ma carrière à ce stade. Je suis si heureux d'être à un point où cela me nourrit presque."

Assis dans une pièce pleine de huit personnes criant "Déteste-moi plus fort", j'envisageais de faire cela [avec] une arène de mes fans. Il se sent si puissant et si fort.

La chanson qui a ouvert l'album était "Eat the Acid", et la chanson qui a ancré l'album était "Only Love". Parce que tout au long des montagnes russes émotionnelles que j'ai traversées en faisant [Gag Order], je n'arrêtais pas de revenir au mantra de "seul l'amour peut nous sauver maintenant". C'est mon mantra pour l'état des choses dans le monde, c'est mon mantra pour toutes mes relations interpersonnelles - essayer de diriger avec amour, même si vous êtes au milieu de toutes ces autres émotions. C'est donc l'ancre, et c'est vraiment le cœur de l'album.

Nous étions assis au Shangri La, le studio de Rick Rubin dans une chapelle, et j'avais été si intensément sur le côté émotionnel des choses sur cet album, alors je suis entré un jour et nous avons sorti cette chanson si vite. J'ai en quelque sorte abordé tout ce qui se passe dans le monde dans cette idée très concise qu'il y a la douleur, puis il y a le rendu. Ainsi, les couplets sont douleur et colère, puis les refrains sont abandon et espoir.

Je me souviens d'avoir envoyé un texto à Rick Rubin disant : "Oh mon Dieu. Je pense que ma nouvelle chanson va te faire caca." Et il a dit, "Yay!" [Rires] Et puis j'ai dit : "Tu as fait caca ?" Et il a dit: "Oui!" Je suis presque sûr que cela signifiait qu'il aimait ça.

"Happy" est ma renaissance. "Heureux" est l'ardoise vierge. "Heureux", c'est moi qui sort de l'épave de qui j'ai été et de ce que j'ai traversé.

Le bonheur est mon but maintenant, alors qu'avant, il était peut-être lié à la validation et aux choses matérielles - réalisations et chiffres, statistiques, voitures, vêtements et marques. "Happy" est maintenant ce que j'essaie d'incarner dans chaque chose que je fais, dans chaque respiration que je prends, dans chaque phrase que je dis. Non seulement je veux être heureux, mais je le souhaite à tout le monde parce que j'ai l'impression qu'il y aurait beaucoup moins de douleur et de violence dans le monde si nous étions tous heureux. Donc c'est en quelque sorte moi qui m'ouvre à mon avenir.

Je me voyais ne plus jamais sortir d'album, ou sortir un album en six mois. Je n'ai aucune idée d'où je vais. Tout ce que je sais, c'est que dans tout ce que je fais, je veux non seulement être heureux, mais aussi diriger avec bonheur et amour.

Je pense que c'était ce qu'était l'expérience de Gag Order – réaliser que je n'avais aucun contrôle, alors je pourrais aussi bien faire cet exorcisme émotionnel, afin que je puisse vraiment renaître. Je suis donc en quelque sorte simplement ouvert à l'univers pour voir où cela me mène. Et je suis vraiment excité de voir où c'est, alors qu'avant j'avais l'impression que je devais être tenu à un niveau de qui j'étais. Maintenant, j'ai l'impression que je n'ai plus à me soumettre à aucune norme, tout n'est qu'une illusion. Je suis extrêmement curieux de savoir ce que l'univers me réserve ensuite, et je n'ai aucune idée de ce que c'est.

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Photo : Don Arnold/Getty Images

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De Dua Lipa à Joe Budden, certains des plus grands noms de la musique ont ajouté « hôte de podcast » à leurs CV impressionnants. Prenez vos écouteurs et écoutez neuf des spectacles les plus perspicaces et créatifs dirigés par des artistes.

Alors que les podcasts sont devenus de plus en plus populaires parmi les auditeurs, ils sont également devenus un terrain de jeu privilégié pour les créateurs de musique pour s'exprimer et, à leur tour, montrer une nouvelle facette de leur art.

Qu'il s'agisse d'interviews de plusieurs heures avec l'aimable autorisation de Questlove, de conversations animées avec un accompagnement musical de Norah Jones ou d'une leçon d'histoire vitale de Sam Smith, les podcasts permettent aux artistes de se connecter davantage avec leurs fans. Et bien qu'il existe déjà un éventail disparate d'émissions dirigées par des musiciens, ce n'est apparemment que le début d'une nouvelle vague de podcasts.

Ci-dessous, découvrez neuf des podcasts hébergés par des artistes les plus intéressants disponibles.

Un ajout relativement nouveau à la sphère des podcasts, Norah Jones joue le long est exactement ce que cela ressemble. Animée par le crooner "Come Away With Me", l'émission met en scène Jones jouant au piano avec un groupe d'amis et collègues musiciens. La liste des invités de l'émission est également variée, avec des épisodes récents comprenant des conversations mémorables avec l'artiste folk indépendant Andrew Bird, l'auteur-compositeur-interprète country Lukas Nelson et le virtuose du jazz et Robert Glasper, qui ont tous emmené les téléspectateurs dans un voyage musical à travers leurs catalogues et au-delà.

Connu comme le sage sage de la musique, le légendaire producteur de musique Rick Rubin présente son énergie zen et sa passion insatiable pour la musique dans ce podcast informatif, qu'il anime aux côtés du journaliste-auteur Malcolm Gladwell, du rédacteur en chef du New York Times Bruce Headlam et du producteur Justin Richmond. Tout comme la liste des collaborateurs de Rubin – qui comprenait tout le monde, y compris Johnny Cash, Adele et Rage Against the Machine – l'émission zigzague entre des interviews perspicaces avec une gamme de noms les plus accomplis de la musique, notamment Giles Martin, Feist, Usher, The Edge, Aaron Dessner et Babyface.

En plus de sa carrière musicale primée aux GRAMMY, l'icône pop Dua Lipa a une séquence entrepreneuriale bouillonnante sous la forme de Service 95, une marque de style de vie multiplateforme qui comprend une newsletter et des événements spéciaux. Il produit également le podcast populaire At Your Service, sur lequel Lipa interviewe un large éventail de personnalités, notamment des musiciens (collaborateurs Charli XCX et Elton John), des sommités culturelles (Dita Von Teese) et des militants (Brandon Wolf) pour des conversations décontractées sur leurs carrières respectives.

Au milieu de ses rôles de membre fondateur des Roots, chef d'orchestre de "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", cinéaste prolifique et auteur à succès, Questlove ajoute un hôte de podcast à sa riche tapisserie culturelle avec Questlove Supreme. Le spectacle se targue de conversations lâches, intimes et approfondies avec un who's who des luminaires de la musique, qu'il s'agisse d'une conversation émotionnelle de plusieurs heures avec Mariah Carey, d'une conversation perspicace avec la légende de la trompette Herb Alpert ou d'icônes allant de feu Wayne Shorter à Bruce Springsteen et le manager Shep Gordon.

La chanteuse britannique Jessie Ware fait équipe avec sa mère, Lennie, sur ce podcast effervescent, qui présente la chanteuse "Free Yourself" grignotant un délicieux repas fait maison tout en ayant une conversation tout aussi délicieuse. Que les deux aient du saumon rose avec Pink, une tarte aux aubergines avec Shania Twain ou une tarte aux épinards et des florentins avec Kim Petras, tout cela donne une rotation extrêmement écoutable (et affamée) sur le médium.

Plus tôt cette année, le guitariste des Red Hot Chili Peppers, Flea, a lancé la série d'interviews This Little Light, qui met l'accent sur l'importance de l'éducation musicale. En peu de temps, le podcast a déjà accueilli des invités de poids, dont Cynthia Erivo, Patti Smith et Margo Price. "Je voulais faire This Little Light au profit de mon école de musique, le Silverlake Conservatory of Music", a-t-il déclaré dans un communiqué lors de sa sortie. "L'idée sous-jacente est l'éducation musicale, tomber amoureux de la musique et se lancer dans un voyage musical pour votre vie. Le chemin de chacun est si différent, et il est fascinant d'apprendre comment chaque musicien est venu à la musique et a développé son étude au fil du temps."

Sam Smith, cinq fois lauréat d'un GRAMMY, présente une histoire touchante et informative de la crise du sida du point de vue du Royaume-Uni - des premiers jours déchirants de la maladie aux récits modernes, y compris la mort de Terry Higgins (l'un des premiers décès de la région) ainsi que des traitements révolutionnaires. Méticuleusement recherché et raconté dans un style documentaire, le podcast de la BBC est à la fois inspirant et déchirant – mais surtout, il démontre que les artistes peuvent raconter efficacement des histoires au-delà du domaine de la musique, tout en sensibilisant en même temps.

Un départ de tous les autres podcasts de cette liste, le roi de la musique de danse et David Guetta s'éloignent du format d'interview et laissent la musique parler. Guetta héberge ce podcast hebdomadaire d'une heure qui se double d'une liste de lecture, qui propose une sélection de chansons triées sur le volet par Guetta lui-même. Commençant généralement par un remix de Guetta lui-même (il a récemment présenté sa version du tube "Unholy" de Kim Petras et Sam Smith, lauréat d'un GRAMMY), le spectacle explore ensuite une variété de morceaux électroniques d'une liste disparate d'artistes, y compris des morceaux des mavens de la musique dance Olivier Giacomotto, Idris Elba et Robin Shulz.

Toujours aussi fort huit ans après son lancement, le podcast Joe Budden est animé par le rappeur éponyme et ses amis alors qu'ils parlent de hip-hop et de leur propre vie, avec des sujets récents axés sur tout, de la vie amoureuse de Cher au gala du Met. Chaque épisode – qui oscille régulièrement autour de la barre des trois heures – est comme être une mouche sur le mur pour Budden et ses amis. Bien sûr, il y a des interviews de célébrités en cours de route, avec des discussions qui font la une des journaux avec des gens comme Akon et NORE

10 livres de musique à creuser cet été : une biographie de Kate Bush, un récit de première main de la scène grunge et des histoires punk féministes

Tom Petit

Photo de Mark Seliger

nouvelles

Avant la réédition tant attendue et expansive de "Wildflowers" de Petty, GRAMMY.com s'adresse à ceux qui le connaissent - et à son regretté auteur bien-aimé - mieux

Pendant des années, les fans de Tom Petty ont attendu avec impatience la sortie de la seconde moitié de Wildflowers, le deuxième album solo estimé de Petty, sorti le 1er novembre 1994. Coproduit par le producteur Rick Rubin, lauréat de plusieurs GRAMMY, Tom Petty et le guitariste de Heartbreakers Mike Campbell, Wildflowers a été conçu à l'origine comme un double CD de 25 chansons, bien que le nouveau label de Petty, Warner Bros., ait demandé qu'il soit condensé en un seul disque de 15 chansons. album. Quatre chansons des sessions Wildflowers se sont retrouvées sur la bande originale de She's The One. Une autre chanson, "Leave Virginia Alone", a été enregistrée par Rod Stewart et a fait ses débuts lors de la finale de la 20e saison de "Saturday Night Live". Les cinq chansons restantes n'ont jamais vu le jour.

Aujourd'hui, cependant, deux semaines après le troisième anniversaire de la mort prématurée de Petty et plusieurs jours avant ce qui aurait été le 70e anniversaire de l'icône du rock, Wildflowers & All The Rest est enfin sorti. Produite par l'ingénieur et coproducteur de longue date de Petty, Ryan Ulyate, la collection a été organisée par les filles de Petty, Adria et Annakim, Campbell, le claviériste de Heartbreakers Benmont Tench et la femme de Petty, Dana (le couple s'est marié en 2001). Il existe plusieurs éditions disponibles dans différents formats (numérique/CD/vinyle), à ​​commencer par une réédition 2 CD/3 LP de Wildflowers remasterisé et All The Rest comprenant les 10 titres inédits, l'édition Deluxe (qui comprend également 15 démos maison et 14 performances live allant de 1995 à 2017) et l'édition Super Deluxe, qui comprend Finding Wildflowers et comprend 16 prises de studio alternatives.

Une référence dans son illustre carrière et son disque le plus vendu, Wildflowers, certifié triple platine dans les neuf mois suivant sa sortie, avait une signification importante pour Petty. S'adressant à l'auteur/journaliste Paul Zollo dans "Conversations with Tom Petty", Petty a déclaré : "Je pense que c'est peut-être mon LP préféré que j'aie jamais fait. Bien que je sois un peu partisan de certains d'entre eux. comme je le voulais.'"

Malheureusement, alors que Petty écrivait des chansons pour Wildflowers, son mariage avec sa femme Jane Benyo s'effondrait. (Le couple s'est marié en 1974, a eu des filles Adria et Annakim et a divorcé en 1996.) Rempli de douleur, de solitude et d'incertitude, l'écriture de chansons de Petty a changé en fonction de la crise de sa vie personnelle, reflétée dans les paroles et les titres de chansons de Wildflowers, notamment "Hard On Me", "Time To Move On" et "Only A Broken Heart". Plus intime et brut que jamais, Petty exprime ouvertement sa tristesse, son angoisse et sa frustration au milieu de lueurs sporadiques.

Enregistré à Sound City à Van Nuys sur une période d'environ deux ans à partir de 1992 , Wildflowers n'était pas techniquement un disque de Heartbreakers, mais tous les Heartbreakers se sont quand même présentés à l'exception du batteur Stan Lynch, qui a été remplacé par Steve Ferrone lorsque l'escalade des tensions avec Lynch a atteint un point de rupture. Ringo Starr, qui jouait de la batterie sur "To Find A Friend", et Carl Wilson, qui a contribué aux chœurs de "Honey Bee", étaient les invités spéciaux du disque.

Sur la piste d'ouverture et titre, la douce mélodique "Wildflowers", Petty chante, "Vous appartenez aux fleurs sauvages/ Vous appartenez à un bateau en mer/ Naviguez, tuez les heures/ Vous appartenez à un endroit où vous vous sentez libre." Bien qu'il ne soit jamais sorti en single, "Wildflowers" a été un énorme succès auprès des fans de Petty. Dans l'audio publié sur la page Instagram officielle de Tom Petty, Petty révèle que la chanson ad-libbed s'écartait de son processus d'écriture habituel. "La chanson 'Wildflowers' a été l'une des seules fois où cela m'est arrivé dans ma vie. Je suis vraiment monté dans mon petit studio à la maison et j'ai mis le micro et joué toute la chanson du début à la fin avec toutes les paroles et la musique en une seule fois. Et puis j'ai arrêté la cassette et l'ai relu et j'étais vraiment un peu, vous savez, confus. Et puis j'ai pensé: "Je ne vais pas le changer. Je vais juste laisser le flux de conscience." "

Bien que Petty n'en soit pas conscient à l'époque, il a en fait écrit "Wildflowers" pour quelqu'un de très spécifique, quelqu'un qui avait désespérément besoin de compassion et de liberté. Il l'a écrit pour Tom Petty. Selon le best-seller de Warren Zane "Petty: The Biography" (2015), le thérapeute de Petty a écouté la chanson et "a demandé au chanteur à qui il s'adressait. "Je lui ai dit que je n'étais pas sûr", dit Petty. "Et puis il a dit:" Je sais. Cette chanson parle de toi. "Cela m'a en quelque sorte renversé. Mais j'ai réalisé qu'il avait raison. C'était moi qui chantais pour moi.""

Infusé de rock, de folk et de blues, Wildflowers, acclamé par la critique, a atterri à la huitième place du palmarès des 200 disques de Billboard. Rolling Stone a donné à l'album une critique 4 étoiles. "La passion résolue et la maturité de Wildflowers deviennent plus évidentes à chaque écoute jusqu'à ce que l'album acquière une résonance obsédante et durable." Nominé aux GRAMMY pour l'album du meilleur album rock, Wildflowers a produit quatre singles à succès qui ont chacun marqué des positions sur le palmarès Mainstream Rock de Billboard; le ironique "It's Good To Be King", "You Don't Know How It Feels" (GRAMMY Award de la meilleure performance vocale rock masculine et MTV Music Video Award de la meilleure vidéo masculine), "A Higher Place" et "You Wreck Me".

Intitulant à l'origine la chanson "You Rock Me", Petty a partagé la trame de fond de "You Wreck Me" lors de la session Tom Petty Storytellers de VH1 en 1999. "J'appelais la chanson" You Rock Me, Baby "et, vous savez, vous ne pouvez plus vraiment dire ça parce qu'on m'a fait remarquer, de toute façon, que le groupe se tenait juste la tête et disait:" Vous ne pouvez pas chanter "You rock me" dans une chanson ", ce qui, je suppose, avait du sens … et puis, une nuit, ça m'a frappé. Tout ce que j'ai fait, c'est changer 'rock' pour 'wreck' et nous avons eu, 'Tu me détruis, bébé." Sur ce, Petty sourit, rit et se lance dans le rocker très énergique avec les Heartbreakers.

Il y a une chance que la chanson n'ait jamais été enregistrée du tout. Campbell, qui a écrit la musique de "You Wreck Me" et co-écrit plusieurs succès de Petty, dont "Refugee" et "Runnin' Down A Dream", dit que Petty a d'abord aimé la démo que Campbell lui a donnée. Mais quand Campbell a posé des questions sur la chanson des mois plus tard, Petty a dit qu'il n'était pas sûr de savoir où il l'avait mise. Un jour au studio, Rubin a demandé à Campbell s'il avait des chansons. Lorsque Campbell l'a joué pour lui, Rubin lui a dit de montrer la chanson à Petty, mais Campbell a dit qu'il l'avait déjà fait. Rubin a suggéré qu'il le montre à nouveau à Petty.

"Je l'ai encore montré à Tom et je lui ai donné un coup de coude et lui ai dit : 'Pourquoi n'écris-tu pas à ça ?'", a déclaré Campbell à GRAMMY.com. "Le plus drôle, c'est que je pense que peut-être parce que Tom était occupé à écrire ses propres chansons et qu'il était submergé par ça, il n'aimait pas vraiment ce morceau au début. Il l'a fait un peu sous la contrainte. J'ai eu le sentiment pendant que nous l'enregistrions que ce n'était pas l'une de ses chansons préférées. .'"

Le cinéaste/photographe Martyn Atkins, qui a réalisé à la fois le clip "You Wreck Me" et le documentaire "400 Days", qu'il a tourné pendant l'enregistrement de Wildflowers et sa tournée, a conçu l'emballage et la couverture sobres du disque ; quatre photos en noir et blanc, dont l'une montre Petty regardant par la fenêtre d'une camionnette en route vers le studio d'enregistrement, sur un fond de papier kraft marron avec un cercle rouge entourant une fleur perlée rouge dans le coin inférieur gauche de la couverture, fournissant la seule touche de couleur. Le nom de Petty et "Wildflowers" sont écrits en haut en lettres minuscules dans l'écriture d'Atkins.

Atkins a passé beaucoup de temps avec Petty, prenant des photos et filmant des séquences, laissant les idées jaillir de manière organique. Inspiré par l'intimité des chansons de Petty, Atkins a opté pour un design sobre. "J'ai pensé à l'emballage et au graphisme de" Wildflowers "qu'il devrait se sentir un peu plus fait maison, quelque chose d'artisanal que Tom fabriquait. J'ai eu ce sentiment de la musique. C'était beaucoup plus intériorisé venant de Tom. C'était comme si vous obteniez quelque chose de personnel", dit Atkins au téléphone. Il a découpé et imprimé des négatifs à partir de ses séquences de film 16 mm pour les photos de couverture au lieu d'utiliser un appareil photo ordinaire. "Je voulais du grain et du vrai grain pour la pochette de l'album. L'idée n'était pas d'avoir quelque chose de brillant."

Il explique la signification de la fleur perlée rouge. "Tom avait une blague à tabac chez lui, une pochette en daim amérindienne avec une fleur perlée dessus. Je pense que quelqu'un la lui avait donnée. Il se demandait si nous pouvions l'utiliser d'une manière ou d'une autre. Je l'ai prise et photographiée et suggéré que nous la fassions comme un sceau sur la couverture, quelque chose de graphique qui pourrait devenir un motif. Il a aimé cette idée car la pochette signifiait quelque chose pour lui. Nous avons fait des autocollants et les avons inclus dans l'emballage du CD."

Petty lui-même a collé un autocollant Wildflowers sur le coin supérieur gauche de l'une de ses guitares préférées, sa Telecaster blonde (surnommée "Torucaster" pour le luthier Toru Nittono), où l'autocollant reste à ce jour. Certaines des photographies de l'ère Wildflowers d'Atkins, ainsi que des photos prises par les photographes Mark Seliger et Robert Sebree, sont incluses dans le nouveau coffret.

Pendant des années, Petty aspirait à rééditer le bien-aimé Wildflowers avec sa seconde moitié."Il pensait que c'était vraiment important parce que l'héritage de l'album Wildflowers occupait une place importante dans cette carrière et il savait que la seconde moitié de Wildflowers était une déclaration importante", a déclaré Rick Rubin, s'adressant à l'auteur à succès Malcolm Gladwell sur leur podcast "Broken Record" en 2018.

Ulyate et Petty ont ouvert le coffre-fort Wildflowers pour la première fois en 2013, se penchant sur les bandes pendant les pauses entre les sessions d'enregistrement pour Hypnotic Eye, Tom Petty et le dernier album studio des Heartbreakers. En 2014, ils avaient remixé les 10 titres inédits de Wildflowers, que Petty avait séquencés et nommés All The Rest. Petty a également sélectionné des démos maison à publier en tant que matériel bonus. Il a parlé à Rolling Stone d'une sortie de deux disques Wildflowers prévue pour ce Noël. Un an plus tard, Petty a sorti la chanson "Somewhere Under Heaven" de l'ère Wildflowers en tant que promotion d'une collection Wildflowers: All The Rest qui n'avait pas encore de date de sortie. Il attendait de sortir Wildflowers: All The Rest quand il pourrait lui accorder toute son attention et le promouvoir correctement avec une tournée. Entre la tournée d'Hypnotic Eye, sa collaboration avec son groupe du début des années 70 Mudcrutch (dont les membres incluent Heartbreakers Campbell et Tench) et la tournée du 40e anniversaire de Tom Petty and the Heartbreakers en 2017, il a retenu Wildflowers: All The Rest jusqu'à ce qu'il puisse lui donner la priorité.

"Il ne sortait pas de musique à la pelle", dit Ulyate au téléphone. "Il y a réfléchi et s'est dit:" Je ne veux pas simplement jeter ce truc. Il n'a jamais voulu inonder le marché avec des trucs. S'il venait de le sortir sans en faire la promotion, il a estimé qu'il n'aurait pas reçu l'accueil qu'il pensait qu'il méritait, alors il a décidé de se retenir. Il allait y revenir, faire le point et trouver comment aller de l'avant quand ils ont quitté la tournée en 2017. "

Tout au long de la tournée du 40e anniversaire de Tom Petty and the Heartbreakers, la setlist de 18 chansons comprenait cinq chansons de Wildflowers, ainsi qu'une multitude de succès classiques de Petty, notamment "American Girl", "Free Fallin '" et "Mary Jane's Last Dance". Deux jours après la fin de la tournée, après trois soirées à guichets fermés au Hollywood Bowl, Petty a déclaré au LA Times que le projet Wildflowers était probablement l'endroit où il tournerait son attention ensuite. Bien qu'il ait dit qu'il avait encore des recherches à faire, il a émis l'hypothèse qu'une résidence de théâtre dans trois villes, au lieu de stades et d'arènes, pourrait convenir le mieux au matériel.

"Nous avons eu plusieurs discussions sur la possibilité de faire une tournée uniquement des chansons de Wildflowers, peut-être dans les salles de cinéma", explique Campbell. "Pendant tant de décennies, c'était une tournée des plus grands succès, ce qui est génial, mais cela aurait été un autre type de chose. Nous pourrions partager cet album intime et nous ferions venir différents chanteurs invités avec le groupe pour lui donner une ambiance et une expérience différentes de la tournée que nous faisions, ce qui aurait été artistiquement gratifiant pour nous. " Campbell dit que parmi les chanteurs invités potentiels dont ils avaient discuté, il y avait Jeff Lynne, Eddie Vedder, Norah Jones et Stevie Nicks.

Tragiquement, cinq jours après son interview au LA Times, Petty, qui souffrait d'emphysème, d'athérosclérose coronarienne, de douleurs au genou et d'une fracture de la hanche, est décédé subitement à 66 ans d'une surdose accidentelle d'analgésiques sur ordonnance. Mais l'héritage incomparable de Petty perdure avec Wildflowers & All The Rest, qui fait suite à deux précédentes sorties posthumes de Tom Petty : An American Treasure (2018) et Best Of Everything (2019).

Au cours des derniers mois, plusieurs chansons et vidéos de Wildflowers & All The Rest ont été publiées : les démos maison de Petty de "Wildflowers", "You Don't Know How It Feels" et "There Goes Angela (Dream Away)", qui ont été déterrées après la mort de Petty. "Nous n'avons pas trouvé cela quand Tom était là", dit Ulyate. "Nous avons trouvé environ la moitié des démos avec Tom et il les a approuvées et les a aimées, puis après son passage, nous avons vraiment fouillé le fond du coffre pour essayer de tout trouver. C'est là que nous avons trouvé plus de démos."

"Confusion Wheel", le premier single officiel de All The Rest, incarne l'écriture tourmentée et hautement confessionnelle de Petty à l'époque des Wildflowers. Petty chante : "Tellement de confusion m'a déchiré/ Tant de confusion m'a fait peur/ Que je ne sais pas comment aimer/ Je ne sais pas comment faire confiance/ Et je ne sais pas pourquoi." Pourtant, Petty n'a pas perdu tout espoir d'un nouveau départ en chantant "Un de ces jours, nous partirons en voiture / Conduirons en voiture en chantant une toute nouvelle chanson / Nous nous réveillerons en chantant une toute nouvelle chanson."

Consciente que le matériel était proche du cœur de son père, Adria est également très consciente de son importance pour le récit Wildflowers. S'adressant à GRAMMY.com par téléphone, elle a déclaré : "Si le 'Wizard Of Oz' avait une autre bobine ou si 'Let It Be' avait un autre album, vous seriez comme, 'Woah ! Pour moi, c'est ce qu'est Wildflowers & All The Rest, et c'est pourquoi il est si important pour nous de bien faire les choses car c'est un petit bijou dans les archives.'

"Toutes les personnes impliquées essaient d'honorer et d'utiliser leur sixième sens pour savoir ce qu'il aimerait, pour perpétuer l'héritage comme il l'aurait fait s'il était encore là", explique Ulyate, qui a travaillé en étroite collaboration avec Petty pendant plus de 10 ans. Petty lui manque terriblement mais note qu'être immergé dans sa musique a quelque peu aidé son chagrin. "Je ne pense pas qu'aucun d'entre nous ne se remettra un jour de la perte, mais d'une certaine manière, travailler sur la musique a rendu les choses plus faciles parce qu'il est toujours là et qu'il sort toujours de mes haut-parleurs. Trouver ce truc et le diffuser donne l'impression que nous faisons tous notre travail en l'honorant, lui et son héritage. De cette façon, nous faisons ce qu'il faut et rendons justice à son héritage, donc nous le gardons d'une certaine manière et cela me fait du bien."

Explorer les archives de Petty a cependant été difficile pour Campbell, dont l'histoire avec Petty remonte à 50 ans. "Ce fut une expérience douce-amère de traverser les choses et de ne pas avoir Tom là-bas pour le faire avec nous", dit-il. "Revoir les chansons a également suscité beaucoup de joie et de chagrin. Il voulait vraiment que ce truc sorte, alors nous avons travaillé très dur dessus et avons pris le meilleur de ce qui traînait. C'était comme s'il était assis là avec nous et nous avons pris des décisions en fonction de cela.

Certains des morceaux que j'avais presque complètement oubliés jusqu'à ce que je les entende et c'était agréable d'entendre cette bonne musique que nous pouvions partager avec le public. En même temps, je suis toujours en deuil et c'était un peu difficile de rester assis là et d'entendre la voix de Tom dans les haut-parleurs et qu'il ne soit pas là. Parfois, je devais juste quitter la pièce pendant un moment, mais nous l'avons fait."

Adria dit que lorsque son père est mort, "C'était un cri d'incrédulité primitif éternel de le faire mourir si soudainement." Elle dit que cela ressemblait à une perte universelle et que si le monde pleurait avec sa famille, ils ont également apporté beaucoup de soutien aux héritiers de Petty. En ce qui concerne son chagrin, trois ans plus tard, elle dit : "J'ai l'impression de tourner un coin avec ça, et avec le temps, j'ai l'impression que les parties vont devenir plus faciles. Mais personne ne se remet jamais de la mort de son parent." Parfois, cependant, son chagrin est accablant. "Il y a des moments où vous ne voulez tout simplement pas entendre ces chansons … quand elles arrivent à l'épicerie et que vous vous dites:" C'est beaucoup. ""

Elle dit, cependant, qu'écouter Wildflowers est édifiant. "Pour moi, il y a beaucoup de joie à écouter cette époque particulière de la musique. Cela touche mon âme. Cela touche mon cœur et me fait du bien. Ce n'est pas le genre de choses qui vous fait vraiment penser nécessairement aux concerts ou au hit-run du catalogue de papa, mais c'est un peu plus une expérience pure. " Dernièrement, Adria dit qu'elle s'est perdue dans les paroles de son père et dans la manière délibérée avec laquelle il a choisi chaque mot, s'éditant constamment, comme en témoignent les notes de studio, les blocs-notes et les cahiers où il grattait et remplaçait constamment les paroles.

Rick Rubin et Tom Petty Photo de Robert Sebree

Réputé pour ses chansons anthémiques, des paroles spirituelles et de la compassion pour les outsiders, ainsi que son incroyable talent pour transmettre une sagesse profonde et une profondeur émotionnelle en utilisant un langage simple et concis, une partie du génie artistique de Petty était la simplicité trompeuse avec laquelle il a rendu son écriture de chansons tout à fait relatable mais tout aussi épique. En vérité, il était un poète en jean bleu, travaillant sans relâche, intronisé au Rock and Roll Of Fame et au Songwriters Hall of Fame.

Alors que les éditions plus complètes de Wildflowers & All The Rest sont un régal pour les fans, elles servent également de masterclass dans l'écriture de chansons lorsque vous entendez l'évolution des chansons de Petty. Certaines démos ont été retravaillées avant d'être enregistrées en studio. Par exemple, avant de changer le refrain de la version studio terminée de "Crawling Back To You", sur la démo, Petty a chanté "revenir vers vous" et "courir vers vous". D'autres démos ont été entièrement mises de côté, avec des parties de leurs paroles transplantées dans d'autres chansons. "Il y a une pause dans la pluie" est une démo magnifique et sincère que Petty n'a jamais développée davantage. Au lieu de cela, il a utilisé ses paroles "dans un souvenir de rêve", dans "You Don't Know How It Feels", la première chanson enregistrée pour Wildflowers. Des années plus tard, il recycle son refrain dans "Have Love Will Travel" sur The Last DJ (2002).

"Il tenait vraiment à écrire de bonnes chansons et à bien les interpréter", déclare Ulyate. "Il a toujours voulu continuer à s'améliorer et à affiner son art. Il était plus dans ça que d'être un gars célèbre", dit Ulyate qui dit que la méticulosité de Petty était globale. "Il était dans toutes les facettes de l'écriture de chansons. La chanson devait être bonne, la première ligne devait vous saisir et la chanson devait avoir une bonne construction, et il était en production, et la façon dont les chansons étaient arrangées dans le contexte d'un album était important. Il voulait s'assurer qu'il racontait une histoire. "

Petty continuerait à scruter et à changer les chansons même après leur enregistrement. "J'entrais dans le mastering et disais : 'OK, on ​​va masteriser l'album et le finir' et il m'appelait deux jours avant et me disait : 'J'ai une meilleure réplique pour le troisième couplet'", raconte Ulyate. "Heureusement, nous avions une configuration qui me permettait de passer facilement une ligne à son studio et nous écoutions en retour et je disais:" Mec, je suis tellement content que tu m'appelles. C'était tellement mieux. Il pensait toujours à des moyens d'améliorer les choses."

Ulyate attribue en partie les prouesses d'écriture de chansons de Petty à sa «connaissance encyclopédique» de la musique. "Si vous voulez être un bon auteur-compositeur, vous devez être un bon auditeur", dit-il. "Tom Petty était probablement le meilleur auditeur de chansons de tous ceux que je connaissais." La palette musicale étendue et colorée de Petty allait de la musique la plus obscure que Petty pouvait trouver au blues en passant par ses héros Bob Dylan, les Byrds, les Beatles, les Beach Boys et Elvis Presley.

Il rit d'un air incrédule en évoquant la rencontre de Petty avec le réalisateur Thom Zimny ​​qui, à l'époque, réalisait le documentaire Elvis Presley : The Searcher. "Thom Zimny ​​a posé quelques questions à propos d'Elvis et Tom Petty est entré dans ce truc où, en gros, pendant les 45 minutes suivantes, il a juste éduqué le gars sur Elvis ! Il en savait plus sur lui et je lui ai dit : « Comment en sais-tu autant sur Elvis ?! »"

"Même si vous ne lui avez jamais serré la main, vous le connaissiez et vous aurez toujours l'impression d'avoir perdu un ami, pas seulement le porte-drapeau d'une grande composition." —Cameron Crowe sur la perte de Tom Petty

En fait, lorsque Petty avait 11 ans, grandissant dans sa ville natale de Gainesville, en Floride, il a été emmené à la rencontre de Presley par son oncle qui travaillait sur le tournage d'un film de Presley à Ocala, en Floride. Petty relate l'anecdote de Presley dans le documentaire de quatre heures du réalisateur, scénariste et auteur nominé aux Oscars Peter Bogdanovich, Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin' Down A Dream (2007). "Elvis est apparu comme, vous savez, une vision. Il ne ressemblait à rien de ce que j'avais jamais vu et je suis juste abasourdi … Je suis rentré chez moi un homme changé", a déclaré Petty à l'époque. "Quand je suis sorti dans la rue le lendemain, j'essayais de trouver des disques d'Elvis Presley. La musique m'a juste hypnotisé et j'ai joué ces disques au point que mes parents ont commencé à s'inquiéter que quelque chose n'allait pas avec moi."

S'exprimant au téléphone, Bogdanovich (The Last Picture Show, Mask) dit que même si lui et Petty étaient tous deux fiers du documentaire, qui a remporté un GRAMMY du meilleur clip vidéo de longue durée en 2009 ("J'étais ravi. Quel réalisateur obtient un GRAMMY?"), Il est à jamais "teinté de tristesse" en raison de la mort prématurée de Petty. Il dit que lorsque Petty avait une fenêtre de trois semaines entre les dates de tournée en 2017, le couple a discuté de l'ajout de matériel à Runnin 'Down A Dream. "Nous avons parlé d'ajouter peut-être 10 à 15 minutes pour inclure les 10 dernières années afin de le mettre à jour. Nous avons eu une bonne discussion à ce sujet et il était enthousiaste à l'idée, mais cela n'a pas fonctionné car il est mort."

Bogdanovich dit qu'il a parlé pour la dernière fois à Petty après avoir assisté à son avant-dernier concert au Hollywood Bowl il y a trois ans, et a appelé Petty pour s'extasier sur sa performance. "C'est tragique. Il me manque énormément. J'adorais ce gars", dit-il. "C'était un véritable artiste qui se souciait de l'art, chantant des chansons formidables dans lesquelles il mettait tout son cœur et son âme. C'était tout pour lui. Ce n'était pas une question d'argent. C'était une question de travail."

Le dévouement de Petty envers ses fans correspondait à son engagement envers son art. Au cours de la tournée du 40e anniversaire, Atkins a exprimé son inquiétude à Petty à l'idée de porter une guitare lourde tous les soirs alors qu'il souffrait d'une hanche fissurée nécessitant une intervention chirurgicale. Il dit qu'il a suggéré l'idée d'arrêter la tournée pour aller mieux et de tourner l'année suivante à la place. Petty a déclaré: "Je ne veux pas arrêter la tournée parce que les gens réservent leurs vacances pour venir me voir et c'est important dans la vie des gens et je ne veux pas les laisser tomber."

Datant de 1981, Petty a combattu son label MCA qui voulait ajouter un dollar au prix de son disque Hard Promises. Il a retenu l'album jusqu'à ce que MCA cède et n'augmente pas le prix. Petty décrit sa philosophie de fan dans le documentaire d'une heure du réalisateur et scénariste oscarisé Cameron Crowe de 1983 sur MTV Heartbreakers Beach Party, qui était le premier crédit de réalisation de Crowe. Face à la caméra directement, Petty dit : "Au risque de paraître ringard, vous devez remercier les fans. Je suis toujours très respectueux à ce sujet. Je vais m'arrêter et signer le truc parce que c'est si important. Je pense que si vous perdez ça, si vous arrivez là où ils ne sont qu'eux, alors tout est parti."

"Tom s'est toujours comporté comme un fan", a déclaré Crowe (Jerry Maguire, Presque célèbre) à GRAMMY.com par téléphone. "D'abord et avant tout, je pense, c'était quelqu'un qui n'a jamais oublié ses racines mélomane en Floride et qui est resté un passionné de musique et un collectionneur toute sa vie."

Crowe dit que Tom Petty et les Heartbreakers étaient l'un de ses artistes préférés sur lesquels écrire lorsqu'il était journaliste à Rolling Stone et que c'était "un rêve devenu réalité" pour lequel il sera à jamais honoré que Heartbreakers Beach Party soit ses débuts en tant que réalisateur. En fait, mais pour Petty (et le producteur exécutif Danny Bramson), il aurait fallu beaucoup plus de temps à Crowe pour devenir réalisateur, si cela s'était même produit. "Nous étions en route pour le tournage de la vidéo de" You Got Lucky "et il a dit:" Prends un appareil photo et je vais te jouer une chanson. J'ai dit que je n'étais pas réalisateur. Il a dit : "Filmez-moi." Alors je l'ai fait. Il a joué la nouvelle chanson "I'm Stupid" et quand ça a été fait, il a dit : "Devine quoi. Maintenant, tu es réalisateur." Je ne peux pas penser à une meilleure personne pour convaincre de sauter dans le grand bain et de commencer une nouvelle carrière."

Il dit que Petty a généreusement contribué à la musique des bandes sonores des films de Crowe au fil des ans, y compris un mix exclusif de "It'll All Work Out" pour Elizabethtown. Il a également donné à Crowe une citation d'ouverture à utiliser dans la première bande-annonce de son émission télévisée "Roadies".

"Il était aussi terre-à-terre que possible", dit Crowe. "Même si vous ne lui avez jamais serré la main, vous le connaissiez et vous aurez toujours l'impression d'avoir perdu un ami, pas seulement le porte-drapeau d'une grande composition, et un groupe qui peut pivoter dans n'importe quelle direction pour livrer ses chansons."

En l'honneur de la relation unique de leur père avec ses fans , Adria et Annakim ont changé leurs paramètres de médias sociaux privés en publics lorsque Petty est décédé. "Ses fans sont vraiment venus en premier pour lui dans sa carrière", explique Adria. "C'est une grande partie de notre travail et de notre responsabilité de dire : 'Nous sommes là pour toujours bien vous traiter, rendre les choses abordables et vous donner accès à toutes sortes de trucs sympas qu'il a laissés derrière lui.'"

Plus tôt ce mois-ci, à l'occasion du troisième anniversaire de la mort de Petty, Adria a publié une vidéo personnelle tournée dans le home studio de Petty lors du dernier Noël de la famille ensemble. Petty gratte une guitare acoustique et chante "Crawling Back To You (l'un des favoris personnels de Petty) tandis que Cammie, l'une des plus jeunes cousines d'Adria et d'Annakim, joue du piano. Dans la légende, Adria écrit que dès que Petty a entendu Cammie jouer la chanson, il a emmené tout le monde dans son studio pour chanter et l'encourager. La légende se termine par "Tu me manques trop chaque jour, papa". sous-titré, "C'était moi un mois après la mort de mon père, je me sens reconnaissant [sic] de me sentir à nouveau en vie."

Des centaines de fans de Petty ont répondu aux messages des sœurs. "Sa musique a fait que beaucoup d'entre nous se sentent vivants", a écrit un fan tandis qu'un autre a écrit : "J'adore la musique de ton père depuis que j'ai 10 ans. J'ai 52 ans maintenant. J'ai eu la chance de le voir en concert environ 19 fois. Toujours les meilleurs et les plus mémorables spectacles. Pleurer maintenant... ça fait toujours tellement mal."

Quant à la possibilité d'une future tournée Wildflowers & All The Rest, Campbell, qui a tourné avec Fleetwood Mac pendant un an et demi et s'est depuis concentré sur son groupe The Dirty Knobs, devient ému à l'idée d'avancer sans Petty. "Je vais vous dire ce que je ressens à ce sujet", dit-il. "Je ne sais pas combien d'étapes de deuil il y a, mais j'en suis probablement encore à l'étape quatre ou quoi que ce soit. Je ne me sens pas émotionnellement à l'aise d'avoir tous les Heartbreakers dans une pièce et d'aller 'un, deux, trois, quatre' et de jouer sans Tom là-bas. C'est un peu trop douloureux, mais je ne suis pas opposé à l'idée uniquement parce que c'était quelque chose que Tom voulait vraiment faire. quelques chanteurs et apprendre les chansons et faire cette tournée Wildflowers en son honneur."

Après une pause, Campbell dit : "J'ai besoin de plus de temps. C'est une perte énorme. Il a été mon meilleur ami pendant 50 ans. Je ne m'en remettrai probablement jamais complètement et je vais bien, mais pour quelque chose d'aussi proche de l'énergie et de l'âme de Tom, je dois être un peu plus fort pour assumer ça."

En attendant, Adria dit qu'elle est actuellement en discussion avec un réalisateur à propos d'un documentaire Wildflowers, et qu'il y aura certainement plus de musique de Tom Petty à venir. "Nous avons une grande et belle archive", dit-elle, "Nous allons juste prendre notre temps et travailler sur celle-ci pour le moment, puis nous asseoir et réfléchir à ce qui devrait se passer ensuite."

"C'est dur. Et c'est toujours dur": le claviériste des Heartbreakers Benmont Tench sur la vie après Tom Petty

Semi-sonique

Photo par Emmy Sherman

nouvelles

L'esprit power-pop derrière "Closing Time" a principalement co-écrit avec des grands gagnants de GRAMMY - sur "You're Not Alone", il est à nouveau chef d'orchestre

Le toujours convaincant Dan Wilson ne manque pas de conseils pour ses collègues musiciens. En fait, sa page Instagram en regorge littéralement. "La répétition est bonne pour la pratique, mais elle fournit également un terrain fertile pour… la chance", dit une maxime de style fortune-cookie. "Vous avez du mal à choisir un single dans votre lot de chansons ?" demande une autre image. "Est-ce que l'un d'entre eux vous met vraiment mal à l'aise et embarrassé ? C'est celui-là. Le morceau le plus embarrassant = hit."

Si l'homme de 59 ans se donnait un conseil, cela pourrait ressembler à ceci : "N'aie pas peur, Dan ! Ton ancien groupe à succès va adorer ces morceaux que tu écoutes !" Parce que lorsqu'il a approché le bassiste de Semisonic John Munson et le batteur Jacob Slichter - avec qui il n'avait pas sorti de musique depuis près de deux décennies - il était, de son propre aveu, une épave nerveuse. "J'avais peur de les montrer aux gars", admet Wilson à GRAMMY.com. "Mais j'étais tellement excité."

Ces chansons comprennent le nouvel EP de Semisonic, You're Not Alone, qui doit sortir le 18 septembre via Pleasuresonic Recordings/Megaforce Records. Des chansons comme la chanson titre, "All It Would Take" et "Don't Make Up Your Mind" s'accordent parfaitement avec leur hit "Closing Time", lauréat d'un GRAMMY en 1998 - à la fois dans leur qualité et dans l'esthétique des années 1990. Étant donné que Semisonic n'a techniquement jamais rompu et a toujours joué ensemble depuis qu'ils se sont tus publiquement, qu'est-ce qui a pris si longtemps à Wilson pour écrire de nouveaux jams Semisonic?

En termes simples, l'auteur-compositeur-interprète est devenu un autre type d'artiste. Dans les années qui ont suivi le dernier album de Semisonic en 2001, You're Not Alone, il a volé en solo tout en écrivant des palmarès pour les grands GRAMMY-centriques – The Chicks, John Legend, Adele. (La co-écriture du premier avec Wilson, "Not Ready to Make Nice", a remporté la chanson de l'année en 2006 ; l'album 21 du second en 2001, pour lequel Wilson a co-écrit "Don't You Remember", "One and Only" et "Someone Like You", a remporté l'album de l'année l'année de sa sortie.)

Wilson revient dans son ancien groupe en tant que philosophe power-pop, un sage de l'écriture de chansons. Si vous ne connaissez que ses succès - ou sa populaire série Instagram "Words & Music in Six Seconds" - c'est un plaisir d'absorber ses observations sous une forme longue. GRAMMY.com a donné à Wilson une sonnerie sur You're Not Alone, son aversion pour la musique pharisaïque et pourquoi il ne fait pas de "limonade avec des citrons" pendant le verrouillage.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.

Donnez-moi votre point de vue sur les réunions de groupe dans leur ensemble. Y a-t-il une bonne raison de se réunir par rapport à une mauvaise ?

Le groupe veut recommencer. Quelle autre raison pourrait-il y avoir ? Le groupe veut faire plus de musique. C'est une très bonne raison. Je suis totalement dedans. Quelles sont les autres raisons possibles ? Je vais peser. Le groupe doit payer pour des problèmes médicaux ? Je veux dire, nous n'avons pas cela, mais si quelqu'un l'avait, je pense que ce serait parfaitement légitime. Le groupe veut de l'argent, je suppose ? Qu'y a-t-il d'autre?

Je suppose que c'est ça. Besoin créatif, besoin financier ou les deux. Dans tous les cas, on retourne à son ancien travail.

Vous savez, pour Semisonic, je voulais faire ça depuis des années. Nous avons toujours organisé un spectacle chaque année juste pour être ensemble, parce que nous aimons être ensemble. Le problème a toujours été que je n'ai pas été capable d'écrire des chansons qui sonnent bien pour le groupe depuis longtemps. C'est le premier lot de chansons que j'écris pour le groupe qui sonne bien.

J'avais des raisons qui ressemblaient plus à : j'aime ce groupe, j'aime la musique que nous faisons, j'aime ces chansons, je veux les jouer, j'aime jouer en live, et je ne peux pas penser à de nouvelles chansons pour le groupe pour le moment. C'était frustrant.

Pourquoi le blocage mental toutes ces années ? Qu'est-ce qui a rendu difficile l'écriture de chansons Semisonic ?

Eh bien, tout d'abord, j'ai fait un disque solo, [2007] Free Life avec Rick Rubin, et j'ai subi une sorte de processus de mentorat avec lui qui était incroyable. J'ai tellement appris sur la création de disques et j'ai appris toute une sorte d'approche éthique et sonore de Rick qui était tellement géniale.

Ensuite, j'ai aussi appris à écrire des chansons pour que d'autres personnes chantent et j'ai écrit des chansons pour Jason Mraz [comme "Love is Still the Answer" de 2018], les Chicks, John Legend - des gens incroyables ! – pendant ces six ou huit premières années après que Semisonic ait cessé de tourner. D'une certaine manière, je me suis temporairement entraîné à ne pas être le gars de Semisonic. C'était un peu comme un acide musical. J'ai perdu la trace de ce gars dans le groupe.

Je suis plus conscient de cela maintenant qu'à l'époque, donc à cette époque, c'était plutôt comme si j'essayais d'écrire quelques chansons pour Semisonic et soit elles ne seraient pas assez bonnes, soit elles ne sonneraient pas comme le groupe. Je n'avais plus qu'à retrouver mon chemin. Je n'étais pas désespéré à ce sujet. Je n'arrêtais pas de penser "Ça reviendra. Ça ira."

Et j'avais tellement d'autres choses intéressantes à faire - je n'étais pas assis à ne rien faire, tu vois ce que je veux dire ? Mais quand j'ai finalement écrit quelques chansons qui ressemblaient au groupe - j'avais un peu peur de les montrer aux gars, mais j'étais tellement excité.

Je pense que l'auditeur moyen trouverait cet EP comme un retour des années 90, ce qui a un certain sens - c'est à ce moment-là que vous vous êtes formés. Êtes-vous à l'aise avec le fait d'être catalogué à une décennie? Le rejetez-vous ?

[Long rire] C'est tout à fait logique pour moi ! Je ne pensais pas du tout "Faisons un retour aux années 90", mais j'ai toujours ces manifestes dans la tête que je fais quand je me lance dans un projet.

L'un des manifestes, dans ce cas, était "Nous allons dépenser zéro énergie pour renouveler notre son, nous moderniser ou nous mettre à jour. Nous allons juste jouer comme nous et sonner comme nous et voir si les gens aiment ça." Juste égoïstement parlant, je peux jouer, écrire et parfois produire sur des disques qui font vraiment partie du monde musical actuel. Je joue de la guitare sur la dernière chanson de Leon Bridges ["Sweeter"] - j'en suis tellement fier. J'ai co-écrit une nouvelle chanson avec JoJo ["Sabotage"] qui vient de sortir. Elle est intéressante parce que c'est une autre personne qui a eu une carrière plus longue. J'ai récemment sorti une chanson ["Six Feet Apart"] avec Alec Benjamin.

Je n'ai besoin d'aucune validation pour savoir si je suis un praticien actuel. Donc, d'une certaine manière, je peux dire égoïstement que nous n'avons pas besoin de mettre à jour notre son, mais je pensais que cela éliminerait toute cette question de nos cheveux et que nous n'aurions pas à nous en soucier. J'ai trouvé très utile de ne pas penser "Est-ce que c'est assez permanent ? Est-ce assez moderne ? Est-ce assez différent de ce que nous faisions avant ?" [Au lieu de cela] c'était "Est-ce que ça nous ressemble?"

Pas besoin de transpirer d'être trop rétro quand vous faites tant de choses dans le présent.

J'ai très peu à prouver dans ce domaine. Je veux vraiment faire de la bonne musique et je veux vraiment que les gens l'apprécient et je veux vraiment qu'elle résonne d'une manière qui semble vraie et honnête pour les gens. Mais je me fiche que quelqu'un pense que ça sonne comme un groupe des années 90 parce que c'est ce que nous sommes.

Dans "You're Not Alone", vous chantez "A quoi servirait-il si nous savions ce qui vient ensuite?" Cela pourrait être pris de plusieurs manières – existentiellement, spirituellement, politiquement – ​​ce qui, à mon avis, est le plus grand honneur attribuable à un lyrique.

Oh, c'est fantastique ! J'aime ça. J'ai aimé quand je l'ai écrit. Mais c'était littéralement une de ces choses que je dirais autour d'un verre. Ce n'est pas comme s'il s'agissait d'un grand morceau d'écriture de paroles. Cela ressemble à une chose typique de Dan à dire. Je suis content que tu aimes la ligne, et c'est juste quelque chose que je dirais en tant qu'être humain plutôt qu'en tant qu'artisan de chansons. C'est juste moi qui parle.

J'aime aussi cette ligne dans "All It Would Take": "Changer le monde en moi et autour de moi." Croyez-vous que nous devons mettre de l'ordre dans nos maisons avant d'essayer de nettoyer celles des autres ?

Il n'y a pas de nettoyage de la maison de quelqu'un d'autre. Vous ne pouvez faire que le vôtre. Le changement, la croissance et l'apprentissage, pour moi, c'est mon choix. Je ne peux pas dire "Vous devez apprendre un tas de choses." Je ne peux pas dire ça à quelqu'un d'autre.

Tout le monde le dit à quelqu'un d'autre sur les réseaux sociaux.

[Un autre long rire] Eh bien, les réseaux sociaux ne sont absolument pas réels ! Tout d'abord, ce n'est pas une bonne utilisation de votre temps que d'essayer d'enseigner à quelqu'un d'autre comment vivre sa vie. Vous allez échouer et vous aurez simplement gâché cette partie de votre propre vie.

Changer le monde en moi - c'est là que tout doit commencer. Les personnes que je trouve les plus inspirantes au monde sont celles qui ont traversé d'incroyables changements internes, un apprentissage et une croissance. Ça me donne juste envie d'être meilleur.

En ce qui concerne l'activisme moderne, je crains que certains jeunes n'aient pas fait le travail interne avant de tenter le travail externe.

Pas pour être ce type, mais ce travail peut se produire dans n'importe quel ordre. Quoi qu'il y ait devant ton nez, tu dois le faire. Je dirai ceci: j'ai l'impression que "All It Would Take" est aussi proche que possible de l'écriture d'une chanson prêcheuse. Parce que je n'aime vraiment pas les chansons prêcheuses. Je n'aime probablement pas non plus les gens moralisateurs - qui pensent qu'ils sont meilleurs et doivent réparer tout le monde.

Je ne veux certainement pas entendre une chanson qui dit qu'elle sait mieux que moi et que j'ai besoin d'apprendre une chose ou deux. Mais cette chanson capture le sentiment de rencontrer des gens qui sont profondément inspirants et qui semblent avoir appris des choses que je veux vraiment apprendre moi-même. C'est peut-être la clé pour que cette chanson se sente vraie et réelle - parce que c'est à propos de ce que j'ai ressenti dans ma vie un tas de fois.

Je l'ai écrit après avoir vu ce film sur Malala [Yousafzai, 2015's He Named Me Malala]. La militante pour l'éducation des filles et les droits des femmes.

Elle est incroyable. Et elle ne contient pas un atome de supériorité morale.

Complètement. Je suis d'accord à 100 %.

Donnez-moi une chanson célèbre qui, selon vous, est moralisatrice d'une manière inconvenante.

[Un autre long rire] Oh mon dieu ! Il y a longtemps, j'ai eu une conversation avec le peintre Frank Stella. J'étais à un Q&A. Je lui ai demandé pourquoi il y avait tant de mauvais art dans les musées. Il a dit: "Ce n'est pas votre travail de penser au mauvais art. Vous devez sortir et trouver de l'art que vous aimez et en tirer des leçons."

Donc, je ne peux littéralement penser à aucune chanson qui soit trop prêcheuse à mon goût, mais je peux penser à des chansons qui sont incroyablement inspirantes. Comme "Un changement va venir". Sam Cooke est incroyablement inspirant et incroyablement moralement admirable et résonnant, et cela ne semble pas du tout moralisateur. Ce n'est absolument pas moralisateur. C'est vulnérable, réel et inspirant.

Que diriez-vous de « Hello in There » de John Prine ? Aucun jugement dans cette chanson. C'est magnifiquement sans jugement.

Une autre ligne que j'ai aimée, de "Basement Tapes" – "Je vis toujours le rêve de Big Star en direct les uns avec les autres." Ce qui relie l'histoire de Semisonic à l'un de mes groupes préférés.

Nous sommes sur scène, nous sommes amis, nous sommes frères, nous vivons ce rêve - et puis dire "Nous le faisons en direct!" est tellement maladroit et drôle.

Je connais Jody [Stephens], le batteur de Big Star. Nous avons beaucoup traîné. J'ai l'impression qu'il est l'un de mes héros musicaux qui prend vie devant mes yeux, ce qui est tellement incroyable. J'ai mentionné ce groupe parce que pendant un bon moment, c'était mon groupe préféré. J'essaie toujours de vivre ce rêve de Big Star et c'est drôle ce que je suis.

Que signifie Big Star pour vous ? Pour moi, il s'agit de résilience et d'échouer magnifiquement.

Je pense à eux comme s'ils étaient le plus grand groupe de l'histoire. J'ai une vision un peu tordue d'eux, comme si tout le monde savait qu'ils étaient les meilleurs. Quand, non, tout le monde ne le sait pas. Il y a certainement des choses à propos de ce groupe qui, entre guillemets, n'ont pas fonctionné. Mais les choses à propos de ce groupe qui ont fonctionné - c'est tout ce que je peux voir à ce sujet. Mon point de vue sur Big Star est assez myope. J'en suis si proche.

En ce moment, je scanne chaque chanson de Big Star dans ma tête et je ne peux pas penser à une mauvaise.

Non, d'accord ! Tout ce que je veux dire, c'est que j'ai lu ce livre sur un autre groupe que j'admire beaucoup, Crowded House. Tout le thème du livre était qu'ils auraient dû être aussi grands que les Beatles, mais quelque chose a mal tourné.

J'ai toujours l'impression que c'est un fardeau terrible pour un groupe : vous n'êtes pas devenu aussi grand que les Beatles et donc vous avez échoué. C'est tellement une blague. Personne ne sera aussi grand que les Beatles. Cela signifie que chaque artiste est un échec, ce qui est idiot.

Chaque fois que je parle aux gens de Big Star, ils me disent "Ah, c'est dommage que plus de gens ne les aient pas entendus." Dans mon esprit, tout ce que je peux penser, c'est "Ce sont les meilleurs. Ils sont si bons!"

Quel est l'état de votre écriture pendant le COVID-19 ? Êtes-vous plutôt dans une poussée de croissance ou dans un schéma d'attente ?

Eh bien, j'ai écrit des chansons tout au long – avec des amis et des collègues sur Zoom et aussi seul. Au début du confinement, j'ai brièvement pensé : Eh bien, c'est une opportunité pour moi de vraiment l'amplifier et d'écrire beaucoup de chansons et d'être très, très intense et productif."

Mais j'ai vite compris à quel point le confinement est épuisant. J'ai vraiment abandonné cette idée d'essayer d'être productif ou d'essayer de faire de la limonade avec des citrons. Je suis retourné à mon truc habituel : faire de la musique parce que j'aime ça et que ça a du sens pour moi. J'ai abandonné tout sentiment que c'était une opportunité en or ou un terrible fardeau et je fais juste de la musique.

Certaines personnes sont enclines à aller de l'avant alors que le monde est en pause.

Oui, je pense que beaucoup de gens ont ce sentiment, comme "Si nous faisons cela correctement, nous émergerons avec un empire." Ce que je pense être de la folie. La personne qui peut être enfermée à cause d'une pandémie et faire face au péril de celle-ci, à la peur existentielle de celle-ci et à son changement bouleversant et la traiter véritablement comme une opportunité commerciale est folle.

Regarder cela comme une poule aux œufs d'or dont les œufs doivent être ramassés immédiatement est une folie capitaliste américaine particulière.

Avec You're Not Alone en route, qu'est-ce que vous pensez que le monde ne comprend pas à propos de Semisonic que vous voulez corriger ?

[Longue pause] Je ne suis généralement pas facétieux et tout un tas de remarques facétieuses me sont venues à l'esprit. C'est tres etrange. Je ne ressens aucun besoin de corriger la perception de Semisonic par qui que ce soit. Peut-être que mon ego aimerait que plus de gens pensent que le groupe est génial, mais c'est essentiellement "Je voudrais un autre dessert, s'il vous plaît. Puis-je avoir plus de dessert ?"

J'ai un trio et j'aime les deux autres membres du trio. Et ils m'aiment. Nous sommes amis, que nous fassions de la musique ensemble ou non. Nous avons parcouru le monde ensemble et vécu des expériences que John qualifie de "fous", avec lesquelles je serais d'accord.

L'un de nos singles diffusé à la radio 20 ans après l'un de nos autres singles est devenu une pierre de touche culturelle pérenne et à feuilles persistantes, une punchline, un objectif pour les musiciens du monde entier - de quoi ai-je besoin de plus que ça ?

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Kesha

Photo : Kevin Winter/Getty Images

nouvelles

Le spectacle en ligne du 26 juin célébrera les anniversaires des émeutes historiques de Stonewall de 1969 ainsi que la décision de la Cour suprême de 2015 dans l'affaire Obergefell c. Hodges pour l'égalité du mariage

Un casting étoilé d'artistes et d'activistes de la communauté LGBTQ + participera à l'événement de streaming spécial Stonewall Day de Pride Live. La programmation comprend des performances deKeshaetHayley Kiyokoainsi que des apparitions de grands noms du monde de la musique, de la mode, du divertissement et de la politique, y comprisTaylor Swift,Demi Lovato,Cynthia Erivo,Katy Perry, Christian Siriano, George Takei, Donatella Versace, Chelsea Clinton et bien d'autres.

De plus, le présidentBarack Obamaapparaîtra et délivrera un message spécial de soutien lors de l'événement en direct, qui sera animé par l'avocate trans et mannequin Geena Rocero.

"En tant que femme trans et immigrante née et élevée aux Philippines, c'est un honneur d'organiser un événement Pride avec un tel talent de renommée mondiale", a déclaré Rocero.Personnes . "En travaillant avec Pride Live, nous veillerons à ce que Stonewall Day et ses messages de communauté et de résilience atteignent les personnes LGBTQ du monde entier, en particulier les personnes LGBTQ de couleur."

Presque tous les événements Pride en personne pendant le mois de la fierté ont été annulés, selonPierre roulante . Les festivités en ligne célébreront l'anniversaire des émeutes historiques de Stonewall de 1969 ainsi que le cinquième anniversaire de la décision cruciale de la Cour suprême dans l'affaire Obergefell c. Hodges pour l'égalité du mariage. Les profits de l'événement iront au soutien des organisations LGBTQ+ touchées par la COVID-19.

"COVID-19, et les événements récents qui ont mis en lumière à l'échelle nationale et mondiale la nécessité d'un traitement juste et égal pour tous, ont eu un impact sur tant de personnes dans le monde et la communauté LGBTQ+ n'a pas été à l'abri", a déclaré le Dr Yvette C. Burton, présidente du conseil d'administration de Pride Live, dans undéclaration . "Cela a obligé des organisations LGBTQ+ vitales et vitales à modifier considérablement leurs budgets et leurs programmes", a poursuivi le Dr Burton. "Nous espérons que Stonewall Day pourra aider nos bénéficiaires à poursuivre leur travail et leur service à la communauté."

Stonewall Day sera diffusé le vendredi 26 juin de 12 h 45 à 15 h 00 HAE sur Logo'sFacebooketYoutubepages.

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« Tik Tok », Animal (2009) « Blow », Cannibal (2010) « Cannibal », Cannibal (2010) « Bastards », Rainbow (2017) « Prier », Rainbow (2017) « Raising Hell », High Road (2020) « Eat The Acid », Gag Order (2023) « Hate Me Harder », Gag Order (2023) « Only Love Can Save Us Now », Gag Order (2 023) "Happy", Gag Order (2023) Enregistré à Sound City à Van Nuys sur une période d'environ deux ans à partir de 1992 Pendant des années, Petty aspirait à rééditer le bien-aimé Wildflowers avec sa seconde moitié. Réputé pour ses chansons anthémiques, En l'honneur de la relation unique de leur père avec ses fans "C'est dur. Et c'est toujours dur": Le claviériste des Heartbreakers Benmont Tench On Life After Tom Petty Donnez-moi votre avis sur les réunions de groupe dans leur ensemble. Y a-t-il une bonne raison de se réunir par rapport à une mauvaise ? Je suppose que c'est ça. Besoin créatif, besoin financier ou les deux. Dans tous les cas, on retourne à son ancien travail. Pourquoi le blocage mental toutes ces années ? Qu'est-ce qui a rendu difficile l'écriture de chansons Semisonic ? Je pense que l'auditeur moyen trouverait cet EP comme un retour des années 90, ce qui a un certain sens - c'est à ce moment-là que vous vous êtes formés. Êtes-vous à l'aise avec le fait d'être catalogué à une décennie? Le rejetez-vous ? Pas besoin de transpirer d'être trop rétro quand vous faites tant de choses dans le présent. Dans "You're Not Alone", vous chantez "A quoi servirait-il si nous savions ce qui vient ensuite?" Cela pourrait être pris de plusieurs manières – existentiellement, spirituellement, politiquement – ​​ce qui, à mon avis, est le plus grand honneur attribuable à un lyrique. J'aime aussi cette ligne dans "All It Would Take": "Changer le monde en moi et autour de moi." Croyez-vous que nous devons mettre de l'ordre dans nos maisons avant d'essayer de nettoyer celles des autres ? Tout le monde le dit à quelqu'un d'autre sur les réseaux sociaux. En ce qui concerne l'activisme moderne, je crains que certains jeunes n'aient pas fait le travail interne avant de tenter le travail externe. Elle est incroyable. Et elle ne contient pas un atome de supériorité morale. Donnez-moi une chanson célèbre qui, selon vous, est moralisatrice d'une manière inconvenante. Que diriez-vous de « Hello in There » de John Prine ? Une autre ligne que j'ai aimée, de "Basement Tapes" – "Je vis toujours le rêve de Big Star en direct les uns avec les autres." Ce qui relie l'histoire de Semisonic à l'un de mes groupes préférés. Que signifie Big Star pour vous ? Pour moi, il s'agit de résilience et d'échouer magnifiquement. En ce moment, je scanne chaque chanson de Big Star dans ma tête et je ne peux pas penser à une mauvaise. Quel est l'état de votre écriture pendant le COVID-19 ? Êtes-vous plutôt dans une poussée de croissance ou dans un schéma d'attente ? Certaines personnes sont enclines à aller de l'avant alors que le monde est en pause. Avec You're Not Alone en route, qu'est-ce que vous pensez que le monde ne comprend pas à propos de Semisonic que vous voulez corriger ? Wayne Coyne parle du nouvel album de Flaming Lips "American Head", de Kacey Musgraves et de soirées piscine chez Miley Cyrus Kesha Hayley Kiyoko Taylor Swift Demi Lovato Cynthia Erivo Katy Perry Déclaration de Barack Obama People Rolling Stone Facebook YouTube Comment les artistes trans noirs se battent pour obtenir la justice raciale et amplifier les voix queer